因為羅浮宮與橘於周二休館,所以我就從羅浮宮過橋到斜對面的奧賽美術館再去參觀一次,也因為前兩館都休館,造成奧賽美術館人潮洶湧,我在大太陽底下排隊40分鐘才排到室內
奧賽博物館（又譯奧塞博物館、奧塞美術館；法語：Musée d'Orsay）是法國巴黎的近代藝術博物館，主要收藏從1848年到1914年間的繪畫、雕塑、家具和攝影作品。博物館位於塞納河左岸，和羅浮宮斜對，隔河和杜伊勒里公園相對。圖片取自於維基百科
原來是建於1900年的火車站，是從巴黎到奧爾良鐵路的終點——奧賽車站。1939年進入巴黎的鐵路取消，車站關閉。1978年被列為受保護的歷史建築，1986年改建成為博物館，將原來存放在羅浮宮的，在國立網球場現代美術館的，以及在龐畢度藝術中心國家現代藝術博物館內的有關藏品全部集中到這裡展出。圖片取自於維基百科
大廳中還保留著原來的車站大鐘。奧賽博物館在星期一不開放。 我很愛印象派的畫作,就先從印象派的樓層開始參觀
歐仁·亨利·保羅·高更（Eugène Henri Paul Gauguin，法語發音：[øʒɛn ɑ̃ʁi pɔl ɡoɡɛ̃]，1848年6月7日－1903年5月8日），生於法國巴黎，印象派畫家。大部份藝術史家將他歸於後印象派。他死後作品才開始名聲大噪。[1]
他是印象派的代表人物，除去繪畫之外，在雕塑、陶藝、版畫和寫作上也有一定的成就。他對色彩的使用導致了綜合主義的產生，加上分隔主義的影響，也為原始主義的產生鋪平了道路。[2][3]
作品名稱:la Fenaison en Bretagne (高更)
舒芬內克家庭 The Schuffenecker Family (高更)
美女 La belle Angele : 採用色彩平塗，注重和諧而不強調對比，強烈的輪廓線以及用主觀化色彩表現經過概括和簡化了的形體，都服 從於幾何形圖案，從而取得音樂性、節奏感和裝飾效果。
1891年，高更從法國南方的馬賽港啟航，經過蘇伊士運河、澳洲、新卡勒多尼亞，經過兩個月的航行，高更抵達他夢中的鄉園─大溪地。身處文化混雜的大溪地，唯有不斷內省並去除歐洲白種男人的優勢心態，才有可能與這塊土地平等生活。繪畫儼然成為了他面對自己最誠實的道路，高更也試著用繪畫重新建立起殖民者與被殖民者之間支離破碎的關係，他畫出大溪地的美、海洋的純淨和陽光的明亮。1891年，高更剛從繁華的巴黎來到了大溪地，尋找原始島嶼上純淨的生命價值。他觀察當地土著的生活，畫下海邊的兩位土著女人。
《沙灘上的大溪地女人》（法語：Femmes de Tahiti）是1891年保羅·高更初到大溪地時繪製的一副布面油畫，描繪的是兩名躺在沙灘上的大溪地婦女。此畫先收藏與巴黎的奧塞美術館。[1]1892年時高更又繪製了一副於此畫極為相似的作品，後者現藏於德勒斯登的現代大師畫廊。
這是一幅裝飾性強的作品，色彩鮮豔而大膽，畫面上的兩位人物，一則沉默靜思，一則手持小物，與畫面後 方近乎抽象的海平面景象，成了和諧的關係。高更創作的肖像畫“海濱兩女人 - 大溪地的女人”是一幅真正的傑作，他喜愛大溪地婦女的那種粗野但卻健 康而強烈的美，他喜歡她們的天真、直率的性格，他欣賞她們肌膚上的炙熱而又豐富的色調。他太為他的模特兒所陶醉了，以致他無法為了他的綜合法而犧牲模特兒。因此，他以綜合的手法描繪對象， 但決不搞綜合。形象上沒有絲毫抽象因素，每一根線條，每一個調子都充滿著讚美和喜悅。高更那種絕望 的、悲哀的調子，在這幅畫上已全然消失。他在遠離文明、遠離首府巴比埃城的森林之中，重新獲得了平 靜、人性和快樂。隨著歡樂，他又找到了準確的明暗對比調子和安穩的、而不是像從前那樣狂亂的色彩和諧。褐黃色的皮膚、 藍黑色的頭髮、青紫色的衣服，展現在上半部為橙黃色，下半部為紅色，散佈著一些綠樹葉的明亮的背景前 面。甚至某些結構上、比例上、體積和光的表現上的缺陷，也竟成了一種難能可貴的東西，因為它們反映了表現 手法的新鮮和生動，反映了藝術家創作的無拘無束。高更往後也創作了一些像這樣美的作品，但比這更好的作品卻從此未能再見。
〈歡樂〉1892
高更很訝異被法國殖民的土著可以如此安分生活，如此歡樂。他看到一株大樹，大樹的枝椏橫伸出去，自由生長，不必擔心被砍伐。樹下坐著兩名土著女子。圍白色布裙的女子端坐如一尊佛。另一名圍藍色布裙的女子坐在後方，側面，手中拿著一管豎笛，正專心吹奏。一隻黃褐色的狗緩緩走來，綠色的草地，紅赭色的泥土，空氣裏植物潮溼的香氣，一切都如此悠長緩慢，像女子吹奏的笛聲，可以天長地久，沒有什麼改變。什麼是信仰？什麼是真正的歡樂？高更在畫面上用土著語言銘刻了「Areavea」（歡樂）這個主題。
阿爾的風景-阿里斯康 Les Alyscamps. Arles (高更)
整體而言，天空與樹木的裝飾性筆法與不同筆法所產生的質感，以及在構圖上所安排的三個女人，形成一種視覺焦點上不安的氣氛。而整個畫面所呈現出的風景，高更製造出一種世外桃源的效果。不同尋常的紅點使主色更加突出。在1888 年高更的畫裡帶有一種深思熟慮的、構思明確的繪畫風格，那種具有簡單、均衡的構圖。以及時而裝飾性、時而神祕的性質，就是高更所謂的─綜合主義。高更給他的朋友埃米爾．貝納寫信說：「我到了阿爾，很不習慣，我真正感到這裡的景色和人都如此之小。梵谷和我的看法並不一致，尤其在繪畫方面。他愛慕杜米爾、杜比尼、齊埃姆、和大畫家盧梭，而我對這些人沒有這種感覺；相反地，他討厭安格爾、拉斐爾、竇加，但這些人都是我所愛慕的。我回答說：“班長你說得有道理”，這只是為了保持安寧……。」
梵谷也給他的兄弟西奧寫信說：「……高更與我對德拉克窪、林布蘭特等人談得很多，爭論也很激烈，有時爭論後腦子都發脹，宛如放電後的電池……。」1888 年十月，高更到了阿爾，他相識多年的梵谷在那裡等候他。但是儘管雙方互相敬仰、互相尊重，兩個不同性格的人仍不斷發生衝突，包括在作畫的方式上：高更強硬、不屈、堅持要把他所看到的一切表現為綜合性和象徵性的形態；梵谷則十分衝動，幾乎達到發狂的程度，一心要把鮮艷色彩中捕捉到的光線放在自己的畫中。阿爾的景色、光線和色彩同樣使這兩個畫家著迷。但高更認為他的藝術是超越簡單再現的理性表現：「……不要太過臨摹大自然的真實，藝術要有抽象的作用；要在大自然面前沈思中把它提煉出來，要更多地考慮創造而不是結果，……我的工作健全地發展，我相信你會感到一種特殊的色調，或更確切地說，我過去的探索只抓住一種形態和一種色彩的主導面而已，現在，我把兩者綜合起來的可能性已得到證實……。」
文森·威廉·梵谷（荷蘭語：Vincent Willem van Gogh 荷蘭語讀音：[ˈvɪnsɛnt ˈʋɪləm vɑn ˈɣɔx] 
聆聽;[註 1]，1853年3月30日－1890年7月29日），早年曾譯梵高柯[5]，荷蘭後印象派畫家。他是表現主義的先驅，並深深影響了二十世紀藝術，尤其是野獸派與德國表現主義。梵谷的作品，如《星夜》、《向日葵》、《有烏鴉的麥田》等，現已躋身於全球最知名的藝術作品的行列。他在2004年票選最偉大的荷蘭人當中，排名第十，次於第九偉大的17世紀畫家林布蘭。
《在亞爾的臥室》（法語：La Chambre à butts，荷蘭語：Slaapkamer te Arles）是荷蘭畫家文森特·梵谷的著名作品之一。他於1888年與1889年在法國普羅旺斯的亞爾所繪。梵谷總共繪製了3幅畫，目前收藏在荷蘭的梵谷博物館、芝加哥藝術博物館與奧塞美術館內。 「在亞爾的藝術家臥室」是梵谷描繪他自己臥室的作品。在其臥室裏，顏色左右一切，單純化的色調使房間的擺設呈現出高貴的氣質，整幅畫洋溢著美好安穩的感覺。
阿爾的女人 The Arlesienne (梵谷,1889)
寇迪威爾的茅屋 Thatched Cottages at Cordeville (梵谷, 1890)
梵谷將景物融入思想並化爲形象，變形成這繁亂得好像要四分五裂一般的畫面。
《嘉舍醫師的畫像》是荷蘭後期印象派畫家文森·梵谷最著名的作品之一，繪於1890年，當時他已住進精神病院接受保羅·嘉舍醫師的治療。1990年5月15日，此畫以8250萬美金創下有史以來藝術品拍賣最高價格。此畫有兩個版本，第一個版本，現私人收藏；第二個版本的目前存放在巴黎的奧塞美術館中。 在這幅作品中，人物姿態安祥，削瘦的身體用肘臂支撐著以保持完全平衡。但是透過筆觸、構圖以及人物四 周的空間，畫家緊張而悲哀的心情一目了然，它預示畫家即將感受到更加深重的痛苦。圖中左下方的紅桌在深藍色爲主的畫面中顯得相當突兀，嘉舍醫師憂鬱的深思表情與畫中的藍色調相呼應。
《奧維爾教堂》是梵谷在1890年的畫作. 在科幻電視劇《神秘博士》第五季第10集的故事《文森特與博士》扮演著重要的角色。在這個故事裡，此畫教堂的一個窗戶上，有一個奇怪的生物（稱作「Krafayis」），這令時間旅行主角博士發現，梵谷住的瓦茲河畔歐韋有些邪惡的東西。當托尼·庫蘭扮演的梵谷本人打敗怪物後，畫作才恢復了現在的樣子。有意思的是，後來發現怪物是盲的，人們對世界與天空的盲目（只有梵谷不是）是本集的中心主題。[1]
梵谷自畫像，繪於1889年，奧賽美術館藏品，為梵谷生前最後一幅自畫像。
1889 年九月，梵谷畫了他的最後一幅自畫像。這幅半身像中，畫家以微側的正面出現，背景是藍、綠、灰色混合的漩渦、水紋狀連續線條，穿在無領白襯衣外的外套幾乎和背景的顏色相同，這些細節與他緊張的面部表情和深暗、呆滯的目光形成強烈的對比。這種眼光似乎要把一個人的心事看透。背景中悸動的紋路是傳達亢奮的符號，並非由固定的節奏或一成不變的圖案所構成；這些紋路傳達了他對生活的環境所具有的排山倒海式的感情。然而這些澎湃的感情卻被鎮壓在凝固的形式之下，並且被統合在井然有序的構圖內，如同事先被選定的元素；儘管畫面充滿流動與不安，一股巨大的平衡力量仍主宰著一切。
《午睡》（Rest from Work），1889年到1890年，收藏於奧塞美術館
梵谷曾臨摩過不少米勒的作品，憑著他的記憶，幻化出畫中的北方風光。陽光普照的田野，農夫脫下鞋子休憩的畫面，是梵谷對家鄉的緬懷，畫面上所呈現的正是他甜美、靜溢的心靈。
巴勃羅·魯伊斯·畢卡索（西班牙語：Pablo Ruiz Picasso，1881年10月25日－1973年4月8日），西班牙著名的藝術家、畫家、雕塑家、版畫家、舞台設計師、作家和前法國共產黨黨員，出名於法國，和喬治·布拉克同為立體主義的創始者，是20世紀現代藝術的主要代表人物之一，遺作逾兩萬件。畢卡索是少數在生前「名利雙收」的畫家之一。畢卡索、馬塞爾·杜象和亨利·馬蒂斯是三位在二十世紀初期開始造型藝術革命性發展的藝術家，在繪畫、雕塑、版畫及陶瓷上都有顯著的進展。在西班牙與薩爾瓦多·達利和胡安·米羅被譽為西班牙後三大藝術家。[1][2][3][4]
1904年，畢卡索在巴黎遇見了一位為雕塑家及藝術家工作的模特兒費爾南德·奧利弗（Fernande Olivier），與其墜入愛河，而開啟了玫瑰時期（又名粉紅色時期，1904年－1906年）。畢卡索受到與費爾南德之間的甜蜜關係影響，而大量使用鮮明、樂觀的橘、粉紅色系，題材多描繪馬戲團的人們、雜技表演者與丑角，這成了畢卡索的個人特色之一。而1904年被視為是藍色時期與玫瑰時期之間的過渡期。
〈牽馬的年輕男子〉（Meneur de cheval nu，1905-1906），是畢卡索在1904年至1906年主要使用暖色－橙色和粉色作畫時期所繪，與其藍色時期形成了鮮明的對比。
Andre Joseph Allar(1845-1926 雕刻家), Jules Loubnitz (1836-1895 陶藝家):
Fabrique de Nicolas Fouquay:le printemps sous traits de Flore
基座上的這四個半身代表四個季節。現在保存在倫敦維多利亞和阿爾伯特博物館中的阿波羅雕像最初完成了此場景。儘管沒有簽名，但這種真實的雕塑歸功於魯昂Nicolas Fouquay的製造。同時，裝飾非常接近畫家Pierre Chapelle簽名的作品。 這一系列代表四個季節的陶器基座上的四個半身是大約在1730年在魯昂的Nicolas Fouquay的工廠中執行的。四個季節的主題是文藝復興以來西方的傳統，是一個寓言主題，在18世紀非常流行。在 春季，夏季和秋季在這裡表示，像往常一樣，三個古神性植物，植被的女神，用鮮花，谷神星加冕為幌子，豐收女神，頭髮被包圍耳朵麥子和酒神巴克斯（Bacchus）滿是葡萄枝和葡萄串。最後，溫特是一個堅強的老人，裹著他的外套。
阿里斯蒂德·馬約爾 （Aristide Joseph Bonaventure Maillol，1861年12月8日－1944年9月27日）是法國雕塑家和畫家。
馬約爾出生於法國西南部東庇里牛斯省邊境沿海的班雨勒鎮，1881年前往巴黎學習藝術，1885年進入美術學校，師從於卡巴內爾和傑洛姆學習，他早期的繪畫明顯受到夏凡納和高更的影響。高更鼓勵他從事裝飾藝術，他參與了織花掛毯的設計。1893年，他在班雨勒鎮開辦了一個織花掛毯廠，在法國造成很大的影響。1895年開始，他創造了一些小泥塑，開始從事雕塑並放棄了設計織花掛毯工作。他在83歲高齡在家鄉班雨勒鎮，因在雷雨天發生車禍而逝世。在巴黎有收藏他作品的一個博物館，他的故居也已經開闢成一個博物館。 他重要的作品包括1912年為塞尚設計的紀念碑，以及一系列紀念第一次世界大戰的紀念碑。他的雕塑作品大部分是以女人人體作為主題的，穩重、成熟並有古典主義藝術的痕跡，是古典主義和現代摩爾的抽象雕塑之間乘前啟後的過渡時期最重要的雕塑家。
LaMéditerranée[地中海]
1905年，當這座雕像在d'Automne沙龍以“ 女人”的名字展出時，引起了轟動。作家安德烈·基德（AndréGide）寫道：“她美麗而毫無意義。” 地中海的稱號稍後給出。
該雕像是由德國人和梅洛爾的讚助人哈里·凱斯勒伯爵（Count Harry Kessler）於1904年委託創作的，梅洛爾為此還創作了《騎自行車的人和慾望》。原始的石灰石雕像在瑞士。奧賽博物館有兩種版本：青銅是最近鑄造的，大理石是藝術家一生中的複製品。
雕像的美麗在於其簡單。Maillol的方法與當時的常規做法相反，後者仍受Rodin影響。沒有過度的情緒，沒有緊張的肌肉。面部空白，四肢圓滑，皮膚光滑。Maillol修改了他的雕像，直到他達到理想的構圖。該圖一組互鎖的三角形，好像在思想中一樣折疊在其自身上。只有一隻手和一隻腳伸出框架。在第二個版本中，這裡是大理石，我們可以看到Maillol與早期的青銅版本相比是如何發展的。1900年後雕塑的這種簡化稱為“恢復原狀”。
尚·巴蒂斯特·奧古斯特·丹普（Jean Baptiste Auguste Dampt）（1854-1945）是法國雕塑家，獎牌獲得者和珠寶商。
Dampt 出生於Venarey-les-Laumes，是一名櫥櫃製造商的兒子，曾就讀於第戎的法國美術學院，然後於1874年在FrançoisJouffroy和Paul Dubois的帶領下在巴黎國家美術學院任教。他展出首次在沙龍興業德藝法語在1876年1877年，他帶著deuxième 羅馬大獎的雕塑在Ecole。他完成了兵役，然後組織了黃金海岸之友協會展覽，以在該地區推廣藝術。
Dampt的作品可謂象徵主義。在奧賽博物館，他被列為新藝術風格。Dampt的一些雕塑在第戎美術博物館展出。
Edgar Degas (1834-1917)德加（Degas）在1917年去世時，在他的工作室裡發現了150個蠟像或泥塑像。除德加在1881年的印象派展覽中展示的14歲舞者外，這些雕像在藝術家還活著的時候還是多少還是不為公眾所知。
自然色的頭髮，穿著真人的頭髮，穿著芭蕾舞短裙和真正的舞蹈拖鞋，這是超現實主義的例子，真實感達到了極致。像博物館的標本一樣在陳列櫃中展示，它揭示了與人類學家或博物學家接壤的Degas。評論家沒有弄錯：作品被猛烈地指控以野獸的方式代表女孩。她被比作猴子或阿茲台克人；她的臉“所有的惡習都在上面印上了可憎的諾言，這是一個特別惡毒的烙印”。因此，德加斯以裸露的近乎科學的方式描繪了他所處的時代，沒有虛偽的陰影，從而使現實主義達到了邏輯上的結論。他去世後製作的青銅版，包括奧賽博物館中的複製品，試圖盡可能地保留蠟像的特徵。玻璃籠子是Degas自己想要的唯一元素，它肯定了舞者作為藝術品的地位。
Petite danseuse de quatorze ans (9121-1931)[14歲的嬌小舞者]
亨利·朱利安·費利克斯·盧梭（Henri Julien Félix Rousseau、1844年5月21日－1910年9月2日[1]）是法國後印象派畫家，以純真、原始的風格著稱。[2][3] 他曾經是一名海關的收稅員[1]，也是自學成才的天才畫家，其作品具有極高的藝術水準。[4][5]代表畫作為《夢境》、《沉睡的吉普賽人》等。
《蛇的魅力》是亨利·盧梭（ Henri Rousseau）於 1907年創作的畫作，應畫家勞倫 ·德勞內（ Robert Delaunay）的母親的要求製作，伯特（Berthe）是德勞內的伯爵夫人。這幅畫被展出首次在秋季沙龍在巴黎於1907年，是在上顯示的奧賽博物館。它被雅克·杜斯特（Jacques Doucet）以50,000frs的價格收購，並提供給盧浮宮。
Jean Delville(1867-1953): 讓·德爾維爾（Jean Delville）是比利時的象徵主義畫家，作家，詩人，辯論家，教師和神智學家。德爾維爾（Delville）是1890年代比利時理想主義藝術運動的主要倡導者。在他的一生中，他堅信藝術應該是更高精神真理的表達，並且應該基於理想或精神美的原則。
畫作:l'école de platon:柏拉圖學校
比利時在19世紀末是歐洲象徵主義的重要中心之一。Jean Delville的繪畫和文學作品表達了其最深奧的一面。在1880年代中期，藝術家發現了巴黎象徵主義環境，並在那裡建立了聯繫，這使他擺脫了從學術訓練中繼承的自然主義。
因此，他與SérPéladan的友誼以及他經常參加Rose + Croix沙龍的經歷證明了他對觀念藝術的執著，對繪畫的熱愛超過了描寫。
柏拉圖學校從未安裝過的Sorbonne專用裝飾是一項引人注目的工作。它具有里程碑式的意義，目標的野心，通過象徵主義理想的棱鏡對古典哲學的詮釋，立即標誌著作品的奇異之處。宣言展示了從拉斐爾（Raphaël）到普維斯·德·夏瓦訥（Puvis de Chavannes）的引用，但以故意不真實的色度範圍的奇怪引誘來裝飾它們。這種世紀末的舉止主義所產生的歧義故意使純潔與淫蕩之間的任何邊界模糊。
Luc-Olivier Merson（1846年5月21日至1920年11月13日）是法國學術畫家和插畫家，以其郵票和貨幣設計而聞名。 早在法國，1875年他在展會由榮獲一等獎獎牌興業德藝法語。“ 巴黎圣母院”的梅森最著名的畫作之一，於1881年創建為的巨大聲望的結果雨果的同名小說改編。憑藉其神秘的哥特式的意象，它的風格體現了當時演變的影響象徵主義運動。 默森做主要裝飾佣金等機構為司法宮時，路易斯·巴斯德博物館，並在聖壇拱頂鑲嵌聖心教堂。他還做了彩色玻璃窗，其中的例子可以在發現藝術品三位一體Rittenhouse廣場教堂在賓夕法尼亞州的費城。他的個人資料被被授予了金牌，他在1889年後畫大幅度的提升世界博覽會，並在1892年，他當選為法蘭西藝術院。 到1900年，梅森被設計郵票的法國後和摩納哥後。到1908年，他承包了由法國銀行創造了多項設計對一些國家的鈔票。1906年與1911年和任教於巴黎高等美術學院，與學生如克萊門特 Serveau，誰也最終將設計的郵票和紙幣自己。以表彰他對法國文化的貢獻，梅森被授予榮譽勳。
畫作名稱:la Verite
Just Becquet 安德烈·弗朗索瓦，出生在貝桑松上和死在巴黎的，是法國雕塑家 。
大理石雕刻: L'Abime Vers 深淵 (1901)
卡米耶·畢沙羅（Camille Pissarro 法語發音：[kamij pisaʁo]，1830年7月10日－1903年11月13日），是一位丹麥裔法國的印象派、新印象派畫家。畢沙羅喜好寫生，畫了相當多的風景畫，他的後期作品是印象派中點彩畫派的佳作，此外，畢沙羅的人像畫也有他特殊的風格。
1873年開始，他成為印象派畫家中的中心人物。根據藝術史學家約翰·雷沃德的說法，這不僅是因為他是印象派畫家中最年長者，也是因為他和藹、善良的性格[1]。作為一名活躍的畫家，1874年至1886年巴黎印象派畫家舉辦的八次畫展中只有他的作品每次都有展出[2]。
冬宮的花園一角(Coin de jardin a Hermitage)。蓬圖瓦茲(1877): 冬宮的花園角莫奈（Monet）的花園似乎更加遠離警察，而且似乎更加遠離城市，似乎已經遠離了眾所周知的畢沙羅世界。在這幅幾乎方形的畫作中，遊樂花園取代了通常的鄉村菜園，而花草樹木，園藝灌木叢代替了白菜，沙拉和朝鮮薊。區別不小。畢沙羅（Pissarro）在1874年的第一屆印象派展覽中遭到嚴厲批評，因為他傾向於代表普通蔬菜代替高貴的植被。但是，畢沙羅（Pissarro）在1887年給兒子盧西安（Lucien）的信中稱自己是“一文不值的資產階級”，但他並不是一個單一的環境人。他並非在蓬圖瓦茲附近的農民中過著質樸的隱士。如果畢薩羅（Pissarro）在1876年左右再三代表這座環繞著這座巨大建築的公園，那麼他似乎集中在兩個小女孩坐在板凳上，茂密的樹蔭下的對話中。在適當的距離處，他非常巧妙地研究了童年的秘密和想像力。與Corot一樣，這兩個中心人物構成了一個正式的組織，該組織編排了多條蛇形線條。這個小小的花板凳呈現出神奇的船形，介於兒童故事和印象派喜歡的遊艇之間。
在右側，偷偷摸摸的建築提醒引入了巧妙的不平衡，好像是要引起移動注視的感覺一樣。眼球的這種移動不會干擾合成物的牢固性，因為在合成物中會有強烈的塞尚風格的印記。兩位藝術家在此期間經常一起工作，相互影響。這種決定性和持久性合作的標誌是，在短小的充滿活力的條紋中塗上顏色，尤其是在畫布頂部搖擺的綠色灌木叢中尤為明顯。
牧羊人把羊帶進來 ( Shepherdess Bringing in Sheep (Pissarro,1886)
喬瓦尼·波爾蒂尼 (義大利語：Giovanni Boldini，1842年12月31日－1931年7月11日），生於義大利費拉拉，逝於法國巴黎，擅長風俗畫與肖像畫。
Madame Charles Max(查爾斯麥克斯夫人, 1896):巴黎的上流社會女士讚賞Boldini的作品，因為他們知道可以依靠這位流浪的藝術家來以優雅和優勢產生自己的形象。非常精緻的人物，畫中女士手握著裙擺的皺褶，無論人物栩栩如生和衣服皺褶逼真程度都可以直逼古典大師們的水平。
雅克·埃米爾·布蘭奇（Jacques- ÉmileBlanche）（法語： [blɑ̃ʃ]； 1861年1月1日至1942年9月30日）是一位法國藝術家，基本上是自學成才的，後來成為成功的肖像畫家，在倫敦和巴黎工作。
畫作: Le Peintre Thaulow et ses enfants dit aussi La Famille Thaulow 畫家與他的孩子們
雅克·埃米爾·布蘭奇（Jacques-Emile Blanche）紮根畫家弗里斯·索洛（1847-1906），這是一個熟悉的人物，在模糊不清的背景下，它很快就讓人聯想起森林，因為它可能出現在18世紀英國繪畫的“對話片”中。巴黎的藝術界，繪畫被他的孩子們包圍。這幅畫布證明了兩人之間的友誼，這也表達了布蘭奇對這個快樂而慷慨的家庭的迷戀，在這個家庭中，貴族的氣氛與資產階級的慣例大相徑庭。
然而，這項工作是在艱難的條件下進行的，因為布蘭奇的精神受到她母親病得很重的健康狀況的壟斷。Thaulow將不得不自己準備一些素描，以便他的朋友再次拿起畫筆並以“某種瘋狂”的方式完成繪畫。因此，就在他要失去母親的時候，布蘭奇設法繪製了她最美麗的畫作，代表了一個充滿生機，愛情和溫柔的家庭。
構圖呈螺旋狀發展，在中心由畫筆線起始，並會加寬。首先，它包括調色板，在整合畫家的臉部之前，他的目光轉向了畫布。再也沒有什麼英格里（Ingrid，1891-1983年）和哈拉德（Harald，1887-1967年）-都是從索洛（Thaulow）的第二次婚姻到亞歷山德拉·拉森（Alexandra Lasson）-以及後來的厄爾瑟（1880-1960），他們是保羅·高更的姐姐Ingeborg Gad。
該畫作在1896年於法國國家美術學院的沙龍上展出，儘管筆身自發，但結構卻非常嚴謹，完美地再現了布蘭奇的技術。
保羅·阿爾伯特·貝斯納德（Paul-Albert Besnard）（1849年6月2日至1934年12月4日）是法國畫家和版畫家。
Besnard的職業生涯始於保守派巴黎美術學院。他是由臭名昭著的純粹主義學術畫家亞歷山大·卡巴內爾（Alexandre Cabanel）教書的，他臭名昭著的拒絕讓愛德華·馬奈特（Edouard Manet）參加1863年沙龍展覽，導致了沙龍沙龍的建立。1到1868年，貝斯納德在巴黎沙龍展出。1879年至1881年在倫敦定居，在那裡他研究了英國肖像傳統和特納（JMW Turner），對他的作品產生了很大的影響。返回巴黎後，他收到了法國第三共和國傑出人物的許多肖像畫委託。
羅傑·喬丹夫人（Roger Jourdain）是1886年沙龍的傑出作品。在這裡，貝斯納德將正統的學術傳統與印象派的較寬鬆的繪畫元素相結合，創造了他所謂的“環境”肖像。貝斯納德拒絕理想化和集中的自然主義，而是將注意力集中在了保姆的周圍環境上，他認為這反映了保姆的個性並“表達了他們與生活世界的關係”。2 Besnard用兩個光源在戲劇般但優美的姿勢中捕捉了身穿禮服的優雅社會女主持人Henriette Roger Jourdain（卒於1928年），營造了戲劇性的氛圍-人物在朦朧的藍色月光下顯得背光，而她的臉和禮服由人工來源發出的黃白色光芒照亮。
儘管Besnard的筆法較為寬鬆，對色彩和光線的處理也很輕鬆，但印象派人士否認與他有任何联系，聲稱他只是從他們的風格中竊取了表面元素。Degas嘲笑Besnard的企圖，他說：“是的，是的，他帶著我們自己的翅膀飛翔 [但是]……他是一個試圖與鉛底鞋共舞的人”。3然而，象徵主義者接受了貝斯納德的風格融合，尤其是他用色彩來表達情緒，特奧多·德威澤瓦（Teodor de Wyzewa）稱讚羅傑 ·喬丹夫人（Roger Jourdain）為“ 藍白交響曲”。4
亨麗埃特（Henriette）和她的藝術家丈夫約瑟（Joseph）居住在巴黎的伯錫爾大道（Boulevard Berthier），周圍包括藝術家，作家和作曲家，包括貝斯納德（Besnard）。她成為許多人的繆斯女神。一年一度的沙龍相當於今天的小報。公眾爭先恐後地看到當天著名人物的肖像，亨利埃特就是其中之一。在她的一生中，醜聞纏擾著她-許多戀人，嗎啡成癮，最後她因服用過量安眠藥而死亡。
亨利·萊昂·格里伯（Henri- LéonGreber）（1855-1941）是法國 雕塑家。他的兒子是建築師 雅克·格里伯（JacquesGréber）。在Active 美國，他製作的4噴泉雕塑馬術的雕像海心山於1910年，（恢復於1957年，在磨溪公園安裝，毗鄰鄉村俱樂部廣場在密蘇里州堪薩斯城）及複印件吻在費城 羅丹博物館。
作品名稱: Coup de grisou (政變 1892-1896)
保羅·塞尚（Paul Cézanne，1839年1月19日－1906年10月22日）是一位著名法國畫家，風格介於印象派到立體主義畫派之間。他的作品為19世紀的藝術觀念轉換到20世紀的藝術風格奠定基礎。他的作品對亨利·馬蒂斯和巴勃羅·畢卡索產生極大的影響。他使用的繪畫方式，以及他認為自然界所有物品皆可由圓柱，圓等三種結構組成的藝術主張，深刻影響並革新了20世紀的新美術，特別是1895年首次個人展和1907年作品的官方回顧展，對當代藝術影響極大，不可抹滅。
畫作名稱: la table de cuisine
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奧斯卡-克洛德·莫內（法語：Oscar-Claude Monet，發音：[klod mɔnɛ]；1840年11月14日－1926年12月5日），法國畫家，印象派代表人物及創始人之一，「印象派」一詞源自他的畫作《印象派》（《印象派，日出》），該畫作於1874年在莫內及其同事舉辦的第一次獨立展覽中展出。
莫內記錄法國鄉村的野心使他採取了多次繪製同一場景的方法，以捕捉光線的變化和季節的流逝。從1883年起，莫內居住在吉維尼，在那裡他購買了房屋和地產，並開始了一個大型的美化項目，其中包括了之後成為他的作品的主題的百合池。 他從1899年開始畫睡蓮，首先是以日本橋為中心的垂直視圖，後來又用20年的時間創作了一系列大型畫作。
畫作:魯昂大教堂La CAatheedrale de Roune le Portail vu de Face Aussi HAarmonie Brune(1892)
莫內（Monet）在1892年和1893年的兩次運動中，每次從2月至4月中旬，都為魯昂大教堂的門塗漆。這位藝術家用緩慢，嚴謹和焦慮的方式展示了28張畫布
從正面看的門戶是棕色的和聲，是從廣場北邊的第一個工坊繪製的。在正面佈局中，立面在整個系列中都以偏斜的方式使畫布飽和。南面的其他兩個工作室將產生傾斜的視角，並提供更具活力的裝置。建築物的體積相對應，以便在中央門戶的連續性中體現新哥特式尖塔的輪廓。莫奈（Monet）憑藉強大的建築節奏構成了主題，但他對光的主要興趣使外立面逐漸消失。在以下版本中，這種偏見更加突出。近距離觀察時，柔和的，灰色，cher石色和棕色調的和諧表現出豐富的最鮮豔色彩。在該系列的其餘部分中，這種客觀而微弱的光芒讓莫奈成為了後印象派主觀性的豐富多彩研究。
夏末清晨的乾草堆 Grainstacks at the End of Summer, Morning Effect
1890 年，莫內對「系列畫」開始深入研究，「乾草堆」系列便是他剛搬到吉維尼花園時產生的巨作，甚至 在隔年展出一連 15 幅的系列畫。莫內曾說：「只有全部集合起來才有價值」，「乾草堆」展出後大受好評，人們對莫內留下深刻的印象。
Les Villasà Bordighera [別墅在Bordighera]
這幅畫是莫奈1884年在意大利期間重新發現地中海的精彩展示。然而，這幅畫是在他在吉維尼的工作室裡從現場執行的一幅較小的畫繪製而成的（波爾迪蓋拉的別墅，聖巴巴拉藝術博物館）。
莫奈打算將繪畫用作Berthe Morisot客廳的大型裝飾面板。1884年初，莫里索特（Morisot）告訴妹妹埃德瑪（Edma）：“我開始接近我的印象派朋友。莫奈決心為我的客廳給我一個面板。你可以想像我會多麼高興接受它。”這項作品捕捉到了地中海的璀璨光芒，並吸引了畫家對該地區風景的迷戀。他在這裡畫了莫雷諾先生的花園，他稱之為“塵世的天堂”，喚起了“這個屬性無與倫比[…]一個別無其他的花園，這是純粹的幻想，世界上所有的植物都在這裡生長似乎並沒有受到照料：這是所有種類的棕櫚樹的糾結……”（愛麗絲·霍舍德（AliceHoschedé），1884年2月5日）。博爾迪蓋拉的別墅結合了莫奈藝術的幾個典型特徵。首先，它使用了他喜歡裝飾的大型，幾乎方形的格式。其次，在工作室中重複從博爾迪蓋拉（Bordighera）的自然中學習的主題預示了他後來的“系列”。最後，憑藉這種奇特的風景，莫奈為我們提供了他最喜歡的主題之一-
塞納河風光 The Basin at Argenteuil (莫內:1872)
從巴黎、亞嘉杜、維特尼、普瓦西到吉維尼，莫內幾乎可以說是沿著塞納河及其支流遷徙而居。而他的許多創作，更是在塞納河上的「水上畫室」中完成的。 從1871年12月到1878年，莫內住在Argenteuil。他藉此機會在農村或房屋的花園中種植畫架。但是尤其是塞納河和船隻的運動吸引了畫家的注意力。在明亮明亮的色彩畫布上，莫內完美地掌握了在光振動過程中分散觸摸的技術。
作品的左側部分被Argenteuil長廊佔據，並被沿著其延伸的樹木投射的陰影所打斷。在背景中是路橋，在其兩端各有一個收費站。在右邊，在前景中出現了一個沐浴場所的浮橋，然後是一個洗手間。一個重要的地方是被雲朵穿過的藍天。正如丹尼爾·懷爾德斯坦（Daniel Wildenstein）指出的那樣，莫奈（Monet）採取了一些自由模式。它僅代表橋上的五個拱門，實際上算上了七個，並抬起了收費亭。通過其動畫，這個阿根廷盆地 回顧1870年前Sainte-Adresse的海灘風光或Bougival的Grenouillère浴場的風光。但這是一項特別成就的作品，因為阿根廷時代是最高點，因此開創了一個碩果累累的系列印象派。
亞嘉杜的罌粟花田 Poppies at Argenteuil ( 莫內 Claude Monet , 1873)
當時莫內的生活相對穩定，畫中的人物是畫家的妻子和他們六歲的兒子。母子倆在田野裡採集鮮花，盡情享 受著陽光，完全陶醉在大自然中。畫中的人物，是自然景色的點綴，為了與花的色調相應，人物僅露出頭部，與部分的身體。充足的陽光沐浴 在山坡上，使得花朵顯得更加光彩奪目，這種大自然的描繪是莫內從革新的繪畫創意所注重的題材。整幅畫給人以輕柔的、富有節奏的動感，然而那一片片鮮紅的斑塊才是這幅作品的要旨，是畫家對映入眼帘 的光和色所做的如實描繪。儘管這些斑塊的形狀具有罌粟的特徵，卻不是具體的，它們有的重疊在一起，有的被隨意擺放，有的為了表 現是在後面而被縮小，然而晦暗、單調的背景更加突出了鮮亮明快的暖色調。
午餐 The Luncheon ( 莫內 Claude Monet ,1873)
這幅畫細緻精妙，色澤美麗，像一首歌頌快樂的讚美詩，其中有他最愛的人、事、物。走在背景裡瘦長的白 色身影是莫內的妻子，坐在草地上是他的兒子尚。花團錦簇、佳餚美酒，的確合乎莫內典型中產階級出生的 背景。
此畫在參加第二屆印象派畫展後由卡玉伯特買下，其後遺贈給了國家。
草地上的午餐 The Picnic (莫內 1865-66)
吉維尼的小船 Lin the norvggienne ( 莫內 Claude Monet , 1887)
莫內選中吉維尼做為終生之家的理由，除了考量孩子們便於上學外，最重要的就是它的風景。院子前面是一大片佈滿小麥田和罌粟花田的平野，塞納河支流悠靜地流過其中，河邊盡是白楊、水柳、菩提樹和萊姆形成的樹叢。原野盡頭便是塞納河，它猶如攤開在大地上的一面鏡子，兩岸茂盛的樹林，天空飄浮的雲彩，映射出一個深遠、朦朧的玄妙世界。美麗的風景，加上不同神韻的光，莫內在自家的庭院前，發現了和過去漂泊各地完全不同本質的新主題。
紫丁香, 陰霾的天氣 Lilacs, Grey Weather( 莫內 Claude Monet ,1872)
畫作: :路易斯·約阿希姆·高迪伯特夫人的肖像 Madame Louis Joachim Gaudibert ( 莫內 Claude Monet ,1868)
撐傘的女人 Woman with Parasol ( 莫內 Claude Monet , 1886)
打陽傘的女人，面右，莫內, 1886 ;打陽傘的女人，面左，莫內, 1886
畫面中的女士是莫內摯愛的第一任妻子卡米爾，莫內最愛以她的形象作畫。在她病逝後，莫內又畫了兩幅類似背景的繪畫，畫面中的人物則是兩位模特，莫內僅將他們的身形畫出，臉部卻是模糊的[1][2]。
帶雨傘的女人向左看 : 克洛德·莫奈（Claude Monet）的第二任妻子（1868-1899）
吉維尼的藝術家花園 le jardin de l'artiste (Claude Monet, 1900)
這是他過去三十年來在吉韋爾尼（Giverny）的花園畫家創作的眾多作品之一。這幅畫以紫色和粉紅色的各種陰影顯示了成對的虹膜行，這些虹膜在整個圖像平面上對角設置。花是在樹下的，在樹下允許斑駁的光線通過改變它們的顏色色調。樹木之外是莫奈房子的一瞥。
亞爾嘉杜之橋 The Bridge at Argenteuil ( 莫內 Claude Monet ,1874)
莫內有六個年頭借住在離巴黎不遠、瀕臨塞納河的一個小村莊 - 亞爾嘉杜 ( Argenteuil ) 。沿著塞納 河有涼爽的林蔭步道，專為玩水、划船的人而開的俱樂部或餐館，也到處可見。
放浪的打扮、自由奔放的生活，本就是 20 世紀的現象，而印象派的藝術家們的生活樣式，則既有都市人的 瀟灑，又兼具鄉下人的真樸。
在這個水鄉，莫內在一艘帶槳的船上搭蓋了一間工作室，如此便可依畫面構圖的需要，移動到適當的位置。
雷諾瓦以及其他印象派的畫友也都來這裡作畫，這一時期，他們的畫風可說是最為接近，有時甚至分辦不出 那一幅是誰的，他們贊美同一個主題，並且肯定共通的表現法。
愛德華·馬內（法文：Édouard Manet，1832年1月23日－1883年4月30日），出生在法國巴黎的寫實派與印象派之父。
馬內的畫風乍看之下應該屬於古典的寫實派畫風，其人物細節都相當有真實感。但馬內之所以也被歸為印象派畫家的原因，在於他所畫的主題，顛覆了寫實派的保守思考。要畫戰爭，就畫衝突性高的，被處決的畫面。要畫野餐，就畫爭議性高的對比，裸女自然的坐在穿西服的紳士當中。馬內很明顯的表示出，印象派並不僅僅靠繪畫技巧來與眾不同，主題也可以重新思考的一個概念。
帶著扇子的仕女 La dame aux éventails (馬內, 1873)
從1873年的這幅畫開始，馬奈特結束了一系列“沙發上的女士”。他的模特是異想天開的女人尼娜·德·卡里亞斯（Nina de Callias（1844-1884），交替興高采烈和神經衰弱，有著神經質的氣質，即酒精很快會導致三十九歲的瘋癲和過早死亡。她的真名瑪麗·安妮·蓋拉德（Marie-Anne Gaillard），也被稱為妮娜·德·比拉德（Nina de Villard），自相矛盾地被稱為非常短暫的丈夫，赫克托·德·卡里亞斯（Hector de Callias），《費加羅報》的作家和新聞記者。在繪製這幅肖像畫時，妮娜只有30歲，是巴黎最傑出的文學和藝術沙龍之一。她穿著她喜歡穿的“阿爾及利亞”服裝擺出姿勢。壁掛的是 畫家工作室的牆壁之一。我們在Mallarmé（奧賽博物館）和Nana（漢堡，肯特沙勒）。球迷的選擇似乎沒有像徵意義。通過將它們固定在Nina周圍，Manet的目的僅是創建幾乎變得平淡的裝飾：惠斯勒，天梭或雷諾阿已經採用了相同的工藝。這些物品還可以喚起該模型所居住的小宅邸的日式磚牆。
我們應該在這張桌子上看到奧林匹亞的回音嗎十年前畫的？這是不可能的。如果兩個人物都拉長了，靠在一隻胳膊上，腳上有一隻動物（這裡是一隻新來的小格里芬狗），那麼一切都將它們分開，無論是樣式，手感還是精神。尤其是臉，是馬奈（Manet）最富表現力的面孔之一。他說的也充滿樂趣，同謀心和好奇心，並帶有憂鬱和困惑。
艾德加·伊萊爾·日耳曼·竇加（法語：Edgar Hilaire Germain de Gas，法語發音：[ilɛːʁ ʒɛʁmɛ̃ ɛdɡaʁ də ɡɑ]，1834年7月19日－1917年9月27日），暱稱為艾德加·竇加（Edgar Degas），生於法國巴黎，印象派畫家、雕塑家。 竇加生於法國巴黎。他曾在巴黎藝術學院學習繪畫，受到安格爾的很大影響。藉著1855年萬國博覽會舉辦安格爾回顧展的機會，竇加與安格爾相見並臨摹了許多他的作品。[1]竇加富於創新的構圖、細緻的描繪和對動作的透徹表達使他成為19世紀晚期現代藝術的大師之一。他最著名的繪畫題材包括芭蕾舞演員和其他女性、以及賽馬。他通常被認為是屬於印象派，但他的有些作品更具古典、現實主義或者浪漫主義畫派風格。
Danseuses bleues 藍衣芭蕾舞者(Edgar Degas,1890)
《舞蹈課》(法語: La classe de danse) 是法國畫家埃德加·德加創作於1873年 - 1875年間的一幅油畫。為德加的代表作之一。現藏於巴黎的奧塞美術館。
阿爾弗雷德·西斯萊（Alfred Sisley，1839年10月30日－1899年1月29日），法國印象派創始人之一，出生於法國巴黎的一個英國人家庭，之後恢復英國國籍，惟大部分時光在法國渡過。西斯萊主要創作風景畫，風格受到印象派同道和柯羅的影響，主要作品有《楓丹白露河邊》、《魯弗申的雪》、《馬爾利港的洪水》、《洪水泛濫中的小舟》等。他的畫作在生前並不被人看重，死後才獲得好評。[1]
《楓丹白露森林邊》（1866）是西斯萊早期作品的代表，受到庫爾貝影響，風格尚未脫離現實主義的框架。到了1870年代，西斯萊才迎來自己的黃金時期。《阿爾讓特依小廣場》（1872）表現農村風景，畫面結構穩定，具有沉靜的詩意，受到柯羅影響，但用色更加大膽。《馬爾利港》（1873）系列具有濃重的抒情性，筆調柔和而富有詩意。1874年赴英國時期，他畫了一些泰晤士河風景，《莫利賽的賽船會》（1874）是其中代表，條狀的色帶凸顯了畫面的動感。西斯萊的雪景畫也很有特色，強調微妙的色彩轉折，禮讚大自然的純潔，代表作有《魯弗申的雪》（1875）、《冬天的魯弗申》（1975）等。[3]
洪水題材對西斯萊也有很大吸引力，《馬爾利港的洪水》（1876）、《洪水泛濫中的小舟》（1976）是其中代表，在他的筆下，水汽瀰漫的景觀具有了一種神話般的意境。1880年代後，西斯萊生活上陷入貧困，作品也水平不一。《聖馬梅的農家院》（1884）、《聖馬梅的造船廠》（1885）以恣肆的色彩描繪普通景物，手法自由奔放。然而進入1890年代以後，他日益的束縛自己，盲目追求質感，繪畫的水準不復如前。[4]
《馬爾利港的洪水》（1876）1875 年底的冬季，馬利港發生了一場水災，而希斯里卻因此得到了一次理想的機會，得以創作一系列幾乎沒有人物、只有他寵愛的水的風景畫。在畫中的船上，和水淹的街道中，雖然還有走動的人影，但整幅畫面卻呈現出大自然恢宏的沉靜，顯示出大自然已奪回了自己的領土，而在蒼蒼的天穹之下，則是色彩斑斕、閃閃爍爍的水面，以及被水淹沒了的街道。畫中令人印象最為深刻的，是希斯里和諧地結合了各種色彩的驚人手法：房屋塗以耀眼的藍色和黃色，天空賦與平淡的藍色，而水面則染以銀灰和黃色。
皮耶-奧古斯特·雷諾瓦（Pierre-Auguste Renoir，1841年2月25日－1919年12月3日）是一位著名的法國畫家，也是印象派發展史上的領導人物之一。其畫風承襲彼得·保羅·呂本斯與尚-安托萬·華托的傳統，對於女性形體的描繪最為著名[1]。
少女肖像 Alphonsine Fournaise
Alphonsine Fournaise 是小旅館和飯店老闆的女兒，雷諾瓦經常與他的朋友們一起去這家餐館。Fournais在多幅畫作中為雷諾阿擺姿勢，其中包括勒·格雷諾耶爾。雷諾阿（Renoir）畫 了《划船午餐會》（The Luncheon of the Boating party），在其中與朋友們一起畫了Fournaise一家。
彈鋼琴的少女 Young Girls at the Piano ( 雷諾瓦 Pierre Auguste Renoir ,1892)
傑出的造型能力與豐富感覺具備的雷諾瓦，描繪的對象，始終關注在於人間形象。玫瑰色臉頰的少女，珍珠色輝映而官能感十足的裸婦、表情天真無邪的兒童等，都是雷諾瓦的人物畫表現的特徵。洋溢著生命的喜悅，其作品迄今仍持續受到人們的喜愛。深得畫家喜愛的「畫題」，常令畫家們一而再的嚐試，以臻完美，當然雷諾瓦也不例外，「彈鋼琴的少女」至少就有五幅傳世。1892 年創作的這幅，可看出雷諾瓦對人物肌理的掌握，將少女的肌膚的透明感表現的十分的搶眼。而且不用輪廓線來勾勒人物，而是以不同的色彩、明暗來讓兩個正沉溺於音樂的少女有了立體與生動感。畫面雖然顏色豐富，但不會有所干擾，氣氛悠閒而華麗，是雷諾瓦後期的風格。
在不同美術館收藏不同的作品,圖片來源:名畫檔案
城市之舞 Dance in the City (Pieer Renior,1883)《城市之舞》此為雷諾瓦受畫商杜蘭留葉的委託，以舞蹈為主題完成的三幅大作之一。此作相對於「鄉村之舞」與「布吉佛之舞」更顯現出一種巴黎社交的優雅。由於這一類充滿活力與色彩的畫作中，他描繪出了巴黎娛樂生活的喧嘩和氣息，這使雷諾瓦被稱為「快樂的畫家」。
鄉村之舞（Dance in the Country）1883年
這幅畫以及「城市之舞」是雷諾瓦為一巴黎畫商所繪。畫中表現出雷諾瓦所欣賞的女人是百依百順和豐滿的，畫中女主角圓圓的臉上透露著樸實無邪，她快活地傾斜著頭，並露出滿足於歡樂的笑容。雷諾瓦在此運用了兩種基色的對比：男人服裝的藍色，婦女帽子的紅色，婦女白底紅花的連衣裙；地板上黃褚色的草帽與婦女扇子及手套的顏色，有相互平衡的作用。看似平凡的畫面，其實是畫家分析物體的形狀、研究顏色及其組合的產品。
斜臥的裸女 Reclining Nude from the Back, Rest after the Bath (1883)
大裸女 Large Nude ( 雷諾瓦 Pierre Auguste Renoir, 1907)
陽光下的裸女 (1876)
《陽光下的裸女》是印象派畫家雷諾瓦生前所做中最具爭議的一幅，在當時這副作品層被人詬病，被人議評為《身上長滿天花的裸女》。
Bernheim de Villers夫婦 (Pierre-Auguste Renoir,1910 )
加斯頓女士 Madame - Gaston Bernheim de Villers ( Pierre Auguste Renoir ,1901)
巴迪儂畫室 A Studio at Les Batignolles ( 方汀 Henri Fantin Latour , 1870)
方汀是浪漫主義與印象主義之間的過渡性人物，非常擅長人物畫，在這幅群像畫裡，出色地將自己的好友—印象派的馬奈及雷諾瓦、莫內、左拉等有機地組合在一起，他的人物畫含有古典學院畫派嚴謹的寫實手法與印象派的綜合技法。
馬內的《草地上的午餐》（法文：Le Déjeuner sur l'herbe, 英文：The Picnic）是法國寫實派與印象派畫家愛德華·馬奈創作於1862年和1863年間的一幅布面油畫。畫中的樹下裸女，被認為是印象主義的第一個宣示。[1]原本名為《浴》（法文：Le Bain）。在1863年的「落選者沙龍」第一次展出。現藏於巴黎的奧塞美術館。
1863年，馬奈以他的《草地上的午餐》震驚了法國公眾。該作品不是杜米埃式的社會或政治意義上寫實繪畫，它是主張藝術家個人自由的聲明。以裸體女子隨便地與兩個完全著裝男士共進午餐顯示衝突。裸體女子是馬奈的模特維多利安·莫涵（Victorine Meurent），兩名穿著講究的時髦紳士是馬奈的弟弟尤金（Eugène）（或有一說是尤金和他們另外一位兄弟古斯塔夫(Gustav)的綜合形象）和他的妹夫費迪南德·里郝夫。莫涵正視前面，兩名男士相互交談，似乎無視該裸體女子的存在。擺在他們面前的是該女子的衣服，一籃水果，及一條圓麵包形成的靜物。背景中還有一女子在小溪邊。
《草地上的午餐》用色細心，試圖表現出鮮麗的感覺，可從前景衣物色彩的變化、裸女膚色與男士衣裝色彩的相互襯托中看出。此外，《草地上的午餐》呈現的明暗交錯顯然已注意到光的變化，使它被視為印象派畫作的先驅[2]。該畫背景沒有深度，幾乎沒有陰影，給觀眾的印象是現場不是發生在戶外，而是在一間畫室內。繪畫風格與當時盛行的學院派傳統決然不同。馬奈沒有試圖隱藏筆觸：的確，這幅畫的部分場景似未完成。裸體女子與卡巴內爾或安格爾作品中肌膚光滑無瑕的女性相去甚遠。這幅作品介乎於印象主義與寫實主義之間。由於兩位男士穿上十九世紀的時裝，即西裝，所以這畫包含寫實元素。這畫的背景模糊不清，細節被簡化，因此這畫屬於印象主義的。
伊娃·岡薩雷斯（EvaGonzalès）（1849年4月19日至1883年5月6日）是法國 印象派畫家。 伊娃·岡薩雷斯（EvaGonzalès）出生於巴黎，由其父親作家伊曼紐爾·岡薩雷斯（EmmanuelGonzalès）於很小的時候就被介紹給了成熟的文學和藝術界。[1] [2] 1865年，十六歲的伊娃·岡薩雷斯（Eva Gonzales）從社會肖像畫家查爾斯·卓別林（Charles Chaplin）的畫中開始了她的專業培訓和藝術課程。[3]通過父親作為法國社會發展基金會的創始主席的關係，她結識了巴黎文化精英的各種成員，從小就接觸了當時圍繞藝術和文學的新觀念。[4] 岡薩雷斯最有名的是她從1869年2月作為藝術家愛德華·馬奈（ÉdouardManet）的學生就開始的。
義大利劇院的包廂（A Loge at the Théâtre des Italiens ），1874年
劇院禮堂，尤其是包廂，是人們進行社會交流的地方，是印象派經常選擇的主題。這些作品中最著名的無疑是雷諾阿在1874年的第一屆印象派展覽中提交的劇院盒（倫敦，考塔爾德學院美術館）。這幅伊娃·岡薩雷斯的畫是同時製作的，其第一版是最初可能在1874年的沙龍中被拒絕，然後在經過一些改動之後在1879年的沙龍中展出，受到了熱烈歡迎。
這位年輕畫家聲稱她是由馬奈特教給的，馬奈特建議她作為朋友。可以清楚地看出這種關係，在選擇“現代”主題時，與在深色皮膚上設置淺色皮膚和淺色織物的鮮明對比中一樣多。放在盒子邊緣的花束幾乎是直接被主人引用的，並讓人想起提供給奧林匹亞的花束。甚至有人懷疑馬奈特是否沒有直接參與這幅畫的設計，因為他有一個柔和的版本，仍然是素描。藝術家的丈夫亨利·瓜拉德（HenriGuérard）和她的姐姐珍妮·岡薩雷斯（JeanneGonzalès）的人物奇異之處也使人想起了馬奈特（Manet）的決定，不對觀眾對該主題進行明確的解釋，從而避免了軼事和輕率的感傷。
古斯塔夫·卡耶博特（Gustave Caillebotte，1848年8月19日－1894年2月21日），法國印象派畫家。他描繪了許多從室內窗邊眺望窗外或巴黎街景的人物，例如《室內》，站在窗邊的女性，背向著觀眾，右邊側面男性坐在椅子上看報紙。這是一幅率直的都市風景，描繪現代生活的瞬間——居住巴黎奧曼斯大道中產階級的日常生活景象，洋溢富裕家庭的氛圍。其他許多作品，如《阿讓特的帆船》《下雨的巴黎街道》《奧曼斯大道上的交通島》等，把大自然中明麗的光感和豐富的色彩描繪出來，呈現給觀者的是光色之美。
卡耶博特出生於富貴家庭，除了自己作畫，也不斷購買同時代印象派畫家好友們的繪畫。他的收藏包括：莫奈14幅、畢沙羅19幅、雷諾瓦10幅、西斯萊9幅、德加7幅、塞尚5幅、馬奈4幅。1876年，卡耶博特28歲時，就決定將他的印象派收藏捐贈給法國，死後由雷諾瓦監督入藏羅浮宮。
卡耶博特的作品以原創見稱，其原創性在於作品的主題，尤其是巴黎改造時期各色人物的無聊與至極的孤獨，但也包括鄉村和自己的家庭親友。他的技法也具有原創性，幾近於攝影技法。[1]
刨木工人 The Floor Scrapers (Les Raboteurs de parquet) 1875
Caillebotte的獨創性在於他將精心設計，建模和由Académie鼓勵的精確色調值與生動的色彩，大膽的視角，敏銳的自然光感和印象派運動的現代主題相結合的嘗試。[2]這幅畫作於1875年的畫作說明了Caillebotte對視角和日常生活的持續興趣。在現場，觀察者站在上面的三名工人跪在地上，在刮木地板資產階級公寓現在被認為是在77卡勒波特自己的工作室，的Rue de Miromesnil，在巴黎第八區。[3]後牆上的窗戶可以吸收自然光。工人全都裸露的軀乾和傾斜的頭，暗示著談話。[4] Caillebotte對現代背景下的男性裸體的興趣與他假定的同性戀有關，但是這是更大趨勢的一部分，不一定限於同性戀藝術家，這是庫爾貝（Courbet）在繪畫中首次引入的。兩名摔跤手（布達佩斯Szépmüvézeti博物館）。[5]這是第一批以城市工人階級為特色的畫作。[6]它以驚人的更新形式重新引入了繪畫中男性裸體的主題。這裡是現代生活中的英雄，而不是上古時代的英雄，他們是時髦而強壯的。他們彎下腰來擺姿勢，如果他們沒有傳達出陽剛之氣和誠實的工作，就會顯得卑鄙。[5]有一個主題的圖像中的捲髮，從地板上的木屑，以鐵工的窗口格柵工人的拱形背部和手臂的格局。[7]圖片中的重複，三名工人從事同一活動的不同方面，但姿勢相似，與Caillebotte當代畫家Edgar Degas的作品相似。[7]
逛博物館累了嗎?渴了嗎?餓了嗎? 博物館有餐廳間咖啡館
看起來好像所費不貲,所以我喝我自己的水就好
看看入口處"車站大廳"的鐘, 4:40了, 逛了六層樓,腳好痠,休息一下我要繼續趕路了
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